Mikhail Glinka dejó su Rusia natal para realizar una gira de conciertos por Europa en la primavera de 1844. Tras pasar nueve meses en Francia, llegó a España en el verano de 1845. Primero se instaló en la villa de Valladolid, donde rápidamente asumió una agradable vida social. Fue en esta ciudad donde le surgió la idea de su Capriccio brillante sobre la jota aragonesa también conocida como Primera obertura española como se desprende de sus propias palabras: “Por las tardes en nuestra casa se reunían los vecinos y amigos entre los que se encontraba Félix Castilla, que era hijo de un comerciante local, tocaba animadamente la guitarra, sobre todo la jota aragonesa que yo con sus variaciones retuve en mi memoria”. Fue compuesto en Mi bemol mayor siguiendo la forma sonata con un desarrollo variado. Su instrumentación, integrada por maderas a dos, cuatro trompas, dos trompetas, tres trombones, oficleido, percusión, arpa, timbales y sección de cuerda, destaca por la amplia posibilidad de color orquestal. El director de orquesta Karl Albrecht realizó su presentación pública en San Petersburgo el año 1850 después de su estreno absoluto en Varsovia dos años antes en audición privada.

Las Danzas polovtsianas de Borodin pertenecen al acto segundo de su ópera El Príncipe Igor, basada en el texto medieval eslavo del Cantar de las huestes de Igor donde se narran las luchas de este caudillo en el s.XII contra las invasoras hordas cumanas. Describen las fiestas que el Khan Konchak organiza a su prisionero, el príncipe Igor. La Danza de las muchachas transmite nostálgica gracia, le sigue la turbulenta Danza de los hombres a la que sucede la Danza colectiva, un palpitante allegro en Re Mayor. En tono de Re menor le sigue la Danza de los muchachos, bien ritmada por el tambor para terminar con la Danza final, un Allegro con spirito en La mayor. Fueron estrenadas en San Petersburgo el 27 de febrero de 1879 bajo la dirección de Rimski-Kórsakov, que ayudó a su orquestación. Su definitivo reconocimiento vino propiciado por la coreografía que Diághilev presentó en París en 1909.

El compositor muniqués Carl Orff es uno de los más interesantes de su generación. Formado en la Akademie der Tonkunst de Múnich, en 1924 fundó un centro para entrenamiento físico y danza, la Escuela Günther de dicha ciudad en cooperación con Dorothee Günther, profesora de gimnasia, artista gráfica y escritora. Ocupó cargos como director de música en el Munich Kammerspiele, el Teatro Nacional de Mannheim y el Landestheater de Darmstadt. Fue durante su etapa como director de la Sociedad Bach de Munich entre 1930 y 1933 cuando se produjo la composición de su obra coral más influyente, la cantata escénica Carmina Burana, sobre poemas medievales contenidos en el Codex Buranus, descubierto el año 1803 por el historiador alemán Johann Christoph von Aretin en el monasterio de Beuren situado en la Alta Baviera. Se trata de cantos en latín medieval, alto alemán medio, francés antiguo y provenzal escritos por goliardos. Musicalmente, Orff procura evocar los estilos gregoriano y medieval, eliminando elaboraciones armónicas complejas, a fin de facilitar al oyente una percepción casi instintiva. Así es como esta espectacular cantata escénica conserva intacto su poder de atracción. La energía y riqueza rítmica, los continuos contrastes y las melodías sencillas, variadas y pegadizas hacen de ella una obra impactante y al mismo tiempo de fácil asimilación. El estilo musical de Carmina Burana se fundamenta en la simplicidad estructural. El compositor prescinde del contrapunto y de desarrollos temáticos y formales muy procesados. Las partes vocales están escritas en unísono, octavas, terceras y, a veces, en quintas, presentando una estructura estrófica, pudiéndose distinguir en ellas el canto llano y melodías populares. Su interpretación requiere grandes recursos instrumentales y corales más tres solistas vocales.